Rápida y mortal

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Una mujer pistolera llega hasta el pueblo de Redención para vengar la muerte de su padre, y para ello participa en un concurso de duelos.

LA MUERTE TENÍA UN PRECIO

A finales de 1992, el guionista Simon Moore comenzó a escribir Rápida y mortal (The Quick and the Dead, 1995), como un homenaje a los spaghetti westerns popularizados por Sergio Leone, y le dio un giro, convirtiendo al personaje principal en una mujer.

Los planes originales de Moore, eran dirigir personalmente la película, y hacerla como un auténtico spaghetti western, con un bajo presupuesto y rodarlo en España. Se lo ofreció a varios estudios, y todos pasaron del proyecto. Pero todo cambió cuando Sharon Stone se topó con el guión, y creyó que sería una película ideal para ella. De esa forma, en mayo de 1993, Columbia se hizo con el guión. El proyecto se desarrollaría bajo TriStar, subsidiaria de Columbia.

Stone ejercería como productora por primera vez en su carrera, y tenía claro de quien quería rodearse, por ejemplo, estaba decidida a que Sam Raimi dirigiera la película, ya que le encantaba El ejército de las tinieblas (1992). Pero no fue tarea fácil conseguirle. "El estudio nos envió una lista de varias páginas con posibles directores para el film," contaba la actriz a Imágenes de actualidad, "y el de Raimi estaba al final del todo casi escondido. Pero nosotros, el productor y yo, les enviamos de vuelta una hoja sólo con el nombre de Sam escrito en ella." Así de claro lo tenía. La actriz se salió con la suya, y el director de Darkman aceptó su oferta tras leer el guión, atrayéndole principalmente el concepto de hacer un spaghetti western moderno.

Por su parte Stone estaba encantada de trabajar con Raimi. "Si le decíamos que el cielo tenía que ser azul," explicaba la actriz a Imágenes de actualidad, "él venía con un dibujo con el cielo pintado de amarillo limón y nos preguntaba que nos parecía. Y yo valoro mucho esta clase de propuestas."

Raimi se pasó tres semanas con Moore revisando el guión, para conocerlo al dedillo. El guionista por su parte realizó varias reescrituras. El estudio quería acercar la película más hacia el clásico western americano, algo que Moore quería evitar toda costa. Como contaba el guionista en el libro "The Unseen Force: The Films of Sam Raimi", en un momento determinado, en medio de las reescrituras, su novia  tuvo que someterse a una delicada operación, y él tuvo que marcharse a Inglaterra para estar con ella, a los pocos días le comunicaron que estaba despedido. Todo un tiro por la espalda.

Contrataron al cineasta John Sayles para que reescribiera el guión, el cual se convirtió en uno más extenso, y a tres semanas de comenzar el rodaje, llamaron de nuevo a Moore para que lo reescribiera, y  redujera el tamaño del mismo. Básicamente lo que hizo Moore fue eliminar prácticamente todo lo que había escrito Sayles, y una vez los ejecutivos vieron el nuevo guión, que era similar al que Moore había escrito antes de que le despidieran, dieron el visto bueno. Esto sucedió a una semana de comenzar el rodaje.

Raimi no pudo trabajar con su equipo habitual. Por ejemplo, no pudo contar con Bill Pope (Matrix), ya que, "no funcionó para Sharon," según explicaba el director a Film Threat. En su lugar fue contratado el gran Dante Spinotti (El último mohicano). Pero tampoco fue fácil para Stone, ya que tuvo que luchar por cada una de sus decisiones, en la elección del reparto y director terminó saliéndose con la suya, pero en otras el estudio le puso un veto. Por ejemplo, quería que Danny Elfman (Batman) compusiera la banda sonora, pero ante la negativa del estudio, el escogido fue Alan Silvestri.

REPARTO

Sharon Stone sería Elle, la rápida y solitaria pistolera protagonista de la película. A la actriz no le costó mucho meterse en el papel. "Poco antes de que comenzara la filmación," contaba Stone a Imágenes de actualidad, "falleció mi profesor de teatro [...]. En ese sentido, en Rápida y mortal fue muy fácil identificarme con esta mujer que ha perdido a su padre, porque este profesor de teatro que había tenido durante tantos años era como mi padre."

Tras Stone, quedaba juntar al resto del reparto, que se llenó de caras ahora conocidas.

El que ya era de sobras popular, toda una leyenda de la interpretación, era Gene Hackman, quien interpretaría al villano Herodes. Raimi se reunió con el actor en el set de otro western que estaba rodando, Gerónimo, una leyenda (1993). En su trailer hablaron de la película y de su personaje, y terminó aceptando el papel, por el cual se embolsó 1.300.000 dólares. 

Stone quiso que el papel de Cort lo interpretase un desconocido actor australiano llamado Russell Crowe, quien había impresionado a la actriz en una película en la que interpretaba a un nazi cabeza rapada. "Cuando vi Romper Stomper, pensé que Russell no solo era carismático, atractivo y talentoso, sino también intrépido," confesaba la actriz al New York Times. "Y encuentro la valentía muy atractiva. Estaba convencida de que yo no lo asustaría." Inicialmente hizo pruebas para otro papel, pero Stone quiso que hiciera una prueba para Cort, y el actor demostró ser el ideal para ese papel. El problema era que Crowe estaba comprometido con la película Nosotros dos (1994), y no podía incorporase a tiempo para rodar Rápida y mortal, la cabezonería de Stone por tenerlo en la película, hizo que no sólo que el estudio aceptase contratar al actor, además retrasó el rodaje el tiempo suficiente para que éste se pudiera incorporar.

El papel de Kid, hijo de Herodes, fue rechazado por Matt Damon. Pero Sharon Stone se emperró en que debía interpretarlo una joven promesa en ciernes llamada Leonardo DiCaprio, ya que según la actriz fue el único que clavó la prueba. Pero como le había sucedido con la elección de Raimi, el estudio se oponía a su contratación, tan segura estaba de que DiCaprio era el actor perfecto para el personaje, que la actriz pagó personalmente el sueldo del actor. El actor consideraba a Kid, "un personaje dual, muy atractivo de interpretar," declaraciones del actor que recogía la revista Imágenes de actualidad.

El papel de Ace Hanlon recayó en Lance Henriksen, quien compuso al personaje tiñéndose el pelo de negro y dejándose extensiones, además de dejarse un peculiar bigote, e incluso mandó fabricar el sombrero que porta en la película. Raimi contrató a un mago que el actor supiera como abrir las cartas en abanico.

Raimi hubiera querido darle a su amigo Bruce Campbell el papel de uno de los pistoleros, pero se encontraba rodando su propio western, la serie Las aventuras de Brisco County (1993-94), aún así rodó un pequeño cameo que quedó fuera en la mesa de montaje, aunque aparece acreditado igualmente como "Wedding Shemp".

Otro amigo de Raimi participó en la película, el director Mick Garris, que interpretó a uno de los hombres de Herodes. Raimi había participado como actor en Apocalipsis (1994), miniserie dirigida por Garris, y Raimi lo metió en Rápida y mortal.

El resto del reparto lo formaron Kevin Conway (Eugene Dred), Tobin Bell (Dog Kelly), Roberts Blossom (Doc Wallace), Keith David (sargento Cantrell), Pat Hingle (Horace), Gary Sinise (Marshall, padre de Elle), Mark Boone Junior (Scars), Olivia Burnette (Katie), Fay Masterson (Mattie Silk), Raynor Scheine (Ratsy), Woody Strode (Charlie Moonlight), Jerry Swindall (Blind Boy) y Sven-Ole Thorsen (Gutzon).

RODAJE

Con un presupuesto de 35 millones de dólares, la fotografía principal comenzó el 21 de noviembre de 1993, y terminó el 27 de febrero de 1994, y tuvo lugar en Mescal (Arizona), a las afueras de Tucson. Inicialmente la película iba a rodarse en Durango, pero para poder conseguir a Hackman tuvieron que cambiar el emplazamiento a Tucson. Para los papeles de los 82 extras necesarios, se encargaron de buscar a gente de la zona que tuviera un aspecto curtido y desaliñado, se presentaron cerca de 1.000 aspirantes, siendo la gran mayoría de los escogidos gente desempleada.

Contrataron a Thell Reed, un experto en armas, para que entrenara al reparto en el uso de las pistolas, algo que hizo a lo largo de entre tres y cuatro meses. Tras el entrenamiento, y fiel a su personaje, Hackman resultó ser el pistolero más rápido del rodaje.

El diseño de producción recayó en la laureada Patrizia von Brandenstein (Los intocables de Eliot Ness), quien se encargó principalmente de crear Redención, el epicentro de la película, a la que describía como, "una despreciable ciudad fronteriza que sólo es capaz de albergar a forajidos y pistoleros, un reflejo perfecto de lo que ha sido la vida desolada y desesperada de Ellen," en declaraciones recogidas por la revista Imágenes de actualidad. Y cuando tocó ponerse manos a la obra con la casa de Herodes, la diseñadora tomó inspiración en aves de presa y en Dickens, según contaba a Los Angeles Times, "porque este es un lugar donde lo malo es muy malo, lo bueno es muy bueno y, al final, la gente obtiene lo que se merece. Esta es una ciudad en la que no hay comercio, ni sociedad, ni escuela, ni sheriff. Los niños no prosperan aquí y los bebés no nacen. Pero ahora una lluvia purificadora ha golpeado a Redención. Todo es muy alegórico, pero no es irónico."

Raimi tuvo la suerte de tener como montador a Pietro Scalia (JFK: Caso abierto), quien tuvo una buena experiencia en su trabajo con el director. "Fue maravilloso trabajar con Sam," reconocía el italiano a CineMontage. El director había planificado toda la película de forma meticulosa mediante storyboards, lo que facilitó el trabajo de montaje, y la primera vez que hablaron juntos, Raimi le dijo de cuantos planos iba a contar la película. "Dije: '¿Cómo puedes saber cuántos cortes tienes?'," contaba Scalia al mismo medio. "Pero lo tenía todo resuelto. Es como Hitchcock; sabía exactamente qué rodar."

En la escena del duelo entre Herodes y Kid, Raimi demostró su inventiva y hasta qué punto tenía claro como debía rodar la película. Para esta escena decidió utilizar un plano "Vértigo", es decir, hacer que la cámara avance y al mismo tiempo utilizar un zoom atrás, o viceversa, lo que crea una deformación de la imagen, pero en lugar de usarlo en una ocasión, decidió rodar todos los planos de la secuencia usando esta técnica. Para llevarlo a cabo necesitó una cámara de control de movimiento, e hizo que cada plano fuera más corto que anterior, pero que la compresión de la imagen fuera cada vez mayor. Todo para reflejar, "el horror de tener que matar a su propio hijo o posiblemente matar a su propio padre," según explicó en una entrevista en el Festival de Cannes.

Y el vestuario corrió por cuenta de la prestigiosa Judianna Makovsky (Pleasantville), quien encontró en una bóveda de Italia muchos de los trajes originales utilizados por Sergio Leone en sus spaghetti westerns, y que empleó para vestir a la mayoría de los extras de la película. Y pese a ser un western, el estudio quiso que Sharon Stone luciera sexy. "Contrataron a Sharon Stone y no querían que se viera desaliñada," contaba Makovsky al Chicago Tribune. "El estudio habló de que ella usara una falda, pero a Sharon y a mí nunca nos gustó la idea." De modo que la diseñadora trató de hacer que la actriz pareciera una dura pistolera y al mismo tiempo fuera atractiva llevando ropas de una forajida.

El que también iba vestido de la mejor forma posible era Sam Raimi, quien durante todo el rodaje llevó corbata porque había visto fotos de D.W. Griffith rodando en el desierto así vestido. "Lo hago como una señal de respeto por el elenco y el equipo," explicaba el director al Los Angeles Times.

La producción atravesó todo tipo de problemas. Los primeros, meteorológicos. Los días en Mescal eran muy calurosos y las noches muy frías, incluso llegando a temperaturas bajo cero. El 28 de enero de 1994, y aunque resulte extraño, una nevada cayó sobre el desértico Mescal, lo que provocó retrasos en la producción.

A comienzos de enero de 1994, Sam Raimi se puso enfermo y el rodaje tuvo que suspenderse durante dos días.

El 17 de enero de 1994, se produjo un enorme terremoto de California (con 72 personas muertas y 12.000 heridos), y la producción se paró durante un día para todos pudieran regresar a sus casas, y comprobar como estaban sus familiares.

No fue la única tragedia que ocurrió durante el rodaje, el 26 de enero de 1994, el extra Frank Pilney, que interpretaba a un borracho del pueblo, sufrió un ataque al corazón, y aunque Ivan Raimi, el hermano de director, y médico de profesión, se encontraba en el set, y ayudó en tan complicada situación (incluso se fue con la víctima en helicóptero), todo terminó con el fallecimiento de esta persona.

Pero más allá de esos contratiempos, todos coincidían que hubo muy buen ambiente durante el rodaje y un gran espíritu de diversión, que sacó lo mejor de todos. Por ejemplo, en el guión se indicaba que Ace Hanlon debía disparar a una carta que sujetaba una niña, pero Henriksen consideró que la escena debía ser algo más. Ayudado por su amigo, el especialista Rex Rossi, idearon el salto hacia atrás desde un caballo como se ve en la película. Estuvieron ensayando durante un mes antes de que comenzara el rodaje, y una vez llegó a Mescal, el actor le mostró el truco a Raimi, quien tras verlo no dudó en incluirlo en la película. Una vez llegó la hora de rodar la escena, el propio Henriksen realizó la acrobacia personalmente.

Una de las mejores anécdotas del rodaje, la protagonizó Bruce Campbell, amigo de Raimi. El actor visitó el set el 13 de febrero de 1994, cuando tuvo un día libre de rodar su serie Las aventuras de Brisco County (1993-94) y Raimi lo utilizó en un par de ocasiones. Una como extra en la escena de la boda de Kid (posteriormente eliminada), y otra en una escena con Pat Hingle. El veterano actor consideraba que su personaje no debía ser tan impasible ante el hecho de que su hija se prostituyera, de modo que, el director improvisó una escena para contentarle. Le presentó a Campbell como un especialista e hizo que en la escena el protagonista de El ejercito de las tinieblas hablara de forma inapropiada a la hija de Hingle, y Raimi le preguntó al actor que haría si alguien le hablara a su propia hija de ese modo, y éste respondió que darle de puntapiés. Y eso fue exactamente lo que hizo al rodar la escena, algo que Raimi le hizo repetir en diez tomas. Al final el director le dijo a Campbell que no incluiría la escena en la película, pero Hingle tuvo su momento de valentía, y Campbell un fuerte dolor en el culo.

Como vemos, hubo lugar a la improvisación, algo que Hackman hizo suyo mientras rodaba una tensa escena con Stone, y sin previo aviso la abofeteó realmente con un guante, algo que no estaba incluido en el guión, y que pilló por sorpresa a la actriz, por eso su enfado en la escena es real.

No fue un rodaje fácil para Stone, cuando tuvo que rodar el duelo bajo la lluvia contra Kevin Conway, se pasó dos días y medio empapada por la lluvia artificial. Para hacerla más llevadera llevaba bajo la ropa un traje de neopreno y bolsas de plástico en los pies. Después de cada toma, los actores se metían en el salón y se ponían al lado de unas estufas para calentarse.

Seguro que más agradable fue para la actriz rodar su escena de sexo con Crowe, aunque al final ella misma decidió eliminarla, ya que consideró que el sexo, "no tenía nada que ver con la trama, ni con el argumento, ni con nada." Pero esto sólo se aplicó al mercado norteamericano, ya que en la versión internacional de la película sí se incluyó.

El final previsto originalmente mostraba como Herodes, tras el duelo con Ellen, se quedaba tirado en el suelo sangrando, ella se acercaba y el villano le pedía ayuda a gritos y le ofrecía dinero, Ellen le daba varias patadas y se alejaba, en ese momento Herodes cogía su arma y ella se giraba y le remataba. Este final no funcionó, de modo que, Raimi pidió al estudio que le recomendara algún guionista para solucionarlo. Le recomendaron a Joss Whedon (Serenity), quien aceptó un trabajo de reescritura sin acreditar, "sólo para conocer a Sam Raimi," reconocía éste a AV Club. Y fue la mejor recomendación que le pudieron hacer, ya que según contaba el director a Vulture, "me reuní con Joss y vio la película, y me ayudó a resolver el final en una tarde." En diciembre de 1994, rodaron un nuevo final con Stone y Hackman, cuando estaban a dos meses del estreno de la película.

Está claro que Stone se implicó de lleno en la película, y que salió adelante gracias a ella, pero la actriz consideraba que no la respetaron tanto como merecía. "Una vez el rodaje se acabó, quedó claro que los de la productora no contaban conmigo para nada," reconocía la actriz a Imágenes de actualidad. "Me cabreé muchísimo. Pero me sirvió de lección. A partir de ese momento, cuando también soy productora de la película, exijo una clausula en la que se especifican mis deberes... y mis derechos."

La película llegó a las salas de cine el 10 de febrero de 1995, y perdió su duelo con la taquilla. En territorio norteamericano sólo recaudó sólo 18.636.537 de dólares.

ESCENAS ELIMINADAS

En ediciones de vídeo doméstico, se incluyeron varias escenas que quedaron en la mesa de montaje. Son las siguientes:

1. El sueco Gutzon se marcha de la ciudad, y el chico ciego le habla a Ellen de Dog Kelly.

2. Cort casa a Kid y Mattie. Ellen felicita al joven.

3. La conversación entre Ellen y Cort, antes de la cena con Herodes es más larga. Él le pide que le acerque el vaso de agua, ella comienza a hacerlo poco a poco con el pie, pero en medio de la conversación se marcha y no llega a acercárselo del todo.

4. Antes de llegar a la casa de Herodes para cenar con él, Ellen habla con el niño ciego, quien le cuenta que fueron los hombres de Herodes quienes le dejaron ciego.

5. En medio de la lluvia, Ellen va hasta casa de Herodes y comienza a disparar hacia ella mientras le grita que salga. Dentro se encuentran observando la escena Herodes y el sargenteo Cantrell.

6. Ellen le pregunta al chico ciego donde se encuentra Cort, y éste le dice que lo han llevado al prostíbulo.

7. La conversación entre Ellen y Cort bajo la lluvia es más larga. Él le pregunta que le hizo Herodes, pero ella se marcha sin decírselo.

VALORACIÓN

Rápida y mortal es un entretenidísimo western, lleno de personalidad y rodado de forma cinética por un Sam Raimi de lo más desatado.

El director nos ofrece un cómic con sabor a spaghetti western, las presentaciones de los personajes parecen sacadas de unas viñetas, como la de Ace o Herodes. Incluso los propios personajes parecen salidos de un cómic como Kid, el Predicador, el sueco Gutzon, el indio Caballo con manchas o Scars.

Es francamente uno de los westerns más divertidos que se hayan realizado (Crowe dispara de espaldas a uno de los hombres de Herodes), y tiene la peculiaridad de no ser un western americano al uso, es un western americano que homenajea al spaghetti western, toda una rareza. Es algo que pocas veces se ha repetido de forma mainstream, me vienen a la cabeza Infierno de cobardes (1973) y Django desencadenado (2012), pero poco más.

La película es sólo una historia de venganzas de buenos contra malos, que alcanza unas dimensiones bíblicas (no es causal que el villano se llame Herodes, que uno de lo personajes sea un predicador o que el pueblo  apropiadamente reciba el nombre Redención), pero lo atractivo de ella es como está narrada, Raimi llena la película de tantas idas visuales y narrativas, que uno sólo puede arrancarse a aplaudir con cada una de ellas.

El director hace que cada uno de los duelos sea visualmente diferente, o bien usando zooms, planos Vértigo, cámara lenta, mostrándolo en off o rodándolo bajo la lluvia; todo lo que haga falta para que cada uno resulte único y original. Y fue la última película de este estilo de Raimi, con sus populares movimientos locos de cámara, después sería un director más contenido, de hecho su siguiente película fue la diametralmente opuesta Un plan sencillo (1998). Por lo que la película supuso un punto y aparte en su carrera, aunque posteriormente realizaría películas de forma imaginativa, nunca llevaría su estilo tan lejos como en Rápida y mortal.

Además los duelos están muy bien construidos y a cada emparejamiento se le saca todo el partido posible, y todo encaja de maravilla para lo que debe ser el final, el gran duelo entre Ellen y Herodes, tan espectacular como esperamos.

Los personajes están muy bien definidos. Herodes no podría ser más insidioso, no hay un atisbo de bondad en él, incluso cuando mata a su hijo, dice que nunca se ha podido probar que fuera suyo. Igual se hubiera agradecido que tuviera más aristas, pero es un gran villano. Ellen quiere venganza, pero le da miedo morir. Kid es alguien con talento y es bastante fanfarrón, pero en el fondo sólo quiere el respeto de su padre. Cort está cansado de matar, y pese a que Herodes le obligue hacerlo de nuevo, se ha reformado. Pero después todos los personajes secundarios, tienen algo peculiar que los define perfectamente y los hace distintivos, desde el barman cobarde, el niño ciego, el as del revolver que resulta ser un fraude, el indio inmortal o el asqueroso Eugene. Todos resultan memorables.

De forma inteligente los personajes se desarrollan durante los tiroteos. Nos dice más que Cort dispare sin inmutarse (por mero instinto) en el primer duelo, que cualquier diálogo. Que Ellen desafíe a Eugene a un duelo por propasarse con la hija del barman, es un reflejo de lo que le pasó en su infancia, cuando el villano le destrozó la vida. Sabemos que Herodes teme a Cort por como le tiembla la mano, cuando parecía que no le tenía miedo a nada. Que Kid le acierte a Herodes, quiere decir que ambos están al mismo nivel. Incluso se define perfectamente a la gente de Redención sin usar palabras, cuando todos rezan durante el duelo entre Herodes y Cantrell, sabemos porqué lo están haciendo.

Hay escenas resueltas de forma inteligente, como el uso del sonido en la cena entre Ellen y Herodes, como él sabe que ella lleva una pistola por el ruido que hace al amartillarla, y ella cree que él porta una por oír un ruido similar, para revelarnos unos instantes después, que él estaba desarmado y que el ruido provenía de una cajita de cerillas.

Hay hallazgos visuales por parte de Raimi que hacen imposible que uno se aburra, desde ese (imposible) plano de la luz pasando a través de un agujero de bala en Herodes, la transición de una escena a otra a través de las cartas de Ace, o el plano subjetivo desde el punto de vista de una bala, son ideas increíbles que sólo pueden salir de la mente de Raimi.

La película hace un buen uso del flashback, el cual se reparte a lo largo de la película en cuatro ocasiones, y en cada una se nos da más información que en la anterior, revelándonos en el clímax que Herodes hizo que Ellen matara a su padre, lo que le da una gran fuerza al final de la película y justifica las motivaciones del personaje principal. Ésa escena nos recuerda inevitablemente a Hasta que llegó su hora (1968), con un uso similar del flashback.

Alan Silvestri compone una buena banda sonora, aunque en algunos momentos se va hacia su partitura de Depredador (1987), pero mantiene bien el tono con ecos de Morricone.

Lo que más me llama la atención de Rápida y mortal es el increíble ojo para el talento de Sharon Stone, porque tuvo la visión de fichar a tres grandes futuras estrellas antes de que explotaran, no sólo contrató a Sam Raimi para su primera peli de estudio años antes de Spider-Man (2002), además contrató a DiCaprio pre-Titanic, y se trajo a Russell Crowe de Australia para su primera película en Estados Unidos, donde explotaría posteriormente en títulos míticos como L.A. Confidential (1997), Gladiator (2000) y Master and Commander (2003). Es increíble ver tanto talento junto en un western relativamente pequeño. Rápida y mortal no sería la misma sin Sharon Stone, hay que darle todo o el mérito del mundo a la actriz.

Y hay que reconocerle el mérito a la película de colocar a una mujer en el rol de un héroe de acción, en una época en la que eso escaseaba, sobre todo en un género tan masculino como el western. En eso fue adelantada a su tiempo.

La película fue parte del revival que experimentó a western a comienzos de los 90, pero cuando Rápida y mortal llegó a las salas de cine, al género ya le habían pegado un tiro. Los sucesivos fracaso de Gerónimo, una leyenda (1993), Wyatt Earp (1994), Cuatro mujeres y un destino (1994), Wild Bill (1995) y la propia Rápida y mortal acabaron con él.

Rápida y mortal es un muy divertido western, una rareza dentro del género, que en manos de Sam Raimi se convierte en una auténtica locura. Si se entra en su juego de movimientos imposibles de cámara y estilo casi de cómic, se lo pasara uno en grande. No hay muchos westerns como éste. Y me batiría en duelo para defenderlo ante quien sea.

CURIOSIDADES

Cuando terminó el rodaje, Sharon Stone compró el caballo que monta en la película, llamado Magic.

El body count de la película asciende a 18 muertos.

Sam Rockwell hizo una audición para la película.

Debut en el cine de la actriz Stacy Linn Ramsower.

Última película del actor Woody Strode, quien murió poco antes de su estreno. Y también de Roberts Blossom y Jonothon Gill.

Cuando se produjo el parón de rodaje por causa de las vacaciones de Navidad, Sharon Stone se llevó a Russell Crowe a una misión del ejército de salvación el día de Navidad, para dar comida a los más desfavorecidos.

Uno de los hombres de Herodes está interpretado por Michael Stone, hermano de Sharon Stone.

Fue nominada en la categoría de mejor actriz (Sharon Stone) en los premios Saturn.

Tras la muerte del extra Frank Pilney, Jonathon Gill (Caballo con manchas) hizo en el set un ritual indio en su honor.

Al terminar el rodaje, Raimi le regaló a Lance Henriksen un  cartel de "Se busca" de Ace Hanlon.

BIBLIOGRAFÍA

Rootin', Tootin' Raimi: An Interview With Sam Raimi (Film Threat, 15 jul 1995)

Imágenes de actualidad (nº 138, 148)

The Evil Dead Companion (Bill Warren, 2001)

The Script Doctor (WGA)

La belleza de vivir dos veces (Sharon Stone, 2021)

The Unseen Force: The Films of Sam Raimi (John Kenneth Muir, 2004)

Lance Henriksen Interview on The Quick and The Dead (Blog "Reflections on Film and Television", 3 may 2011)

Stung Interview: Lance Henriksen on Monster Movies, Aliens and More (Nerd Report, 4 jul 2015)

Gene Hackman (Michael Munn, 1997)

IMDb

ON LOCATION : Meet Six-Gun Sharon Stone (Los Angeles Times, 30 ene 1994)

Straight Out of Australia, to L.A. (New York Times, 26 mar 1995)

Matt Damon’s Disappearing Acts (New York Times, 27 jul 2021)

Russell Crowe: The Unauthorized Biography (James L. Dickerson, 2003)

Douglas wows ‘Greedy’ cast, crew (Variety, 16 ago 1993)

H’w’d pumped for sequel to ‘Gump’ (Variety, 19 dic 1994)

Sam Rockwell Talks About "Confessions of a Dangerous Mind" (About.com)

Q&A of Army of Darkness (Parte 1 / Parte 2) (YouTube)

Sam Raimi on Oz, The Avengers, and Two Huge Movies He Never Made (Vulture, 5 mar 2013)

An Interview with Mick Garris (IGN, 13 ene 2003)

Pietro Scalia Maestro of Movie Editing Meets the Merrie Men of Sherwood Forest (CineMontage, 1 may 2010)

The Quick and the Dead Unofficial Web Site

Jobless receive bit roles in film, chance to work (The Arizona Daily Star, 7 feb 1994)

Sam Raimi - Cannes 1995 (YouTube)

Dressed to Kill (Chicago Tribune, 9 mar 1995)

CIAK Magazine (May 1994)

Fuga de Alcatraz

"Bienvenido a Alcatraz."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Frank Morris es enviado a la prisión de Alcatraz, pronto comenzará a planear su fuga.

LA GRAN EVASIÓN

La prisión de Alcatraz, situada en la bahía de San Francisco, fue abierta en el año en 1934 y clausurada en 1963. En ella cumplieron condena criminales tan populares como Al Capone, James 'Whitey' Bulger, Alvin Karpis o Robert Franklin Stroud (también conocido como “El hombre pájaro").

El cine ha contado muchas historias teniendo a la prisión como epicentro de las mismas (algunas basadas en hechos reales), dando pie a películas que han aumentado su fama y misticismo, como El hombre de Alcatraz, La Roca, Homicidio en primer grado, siendo Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz, 1979) la mejor de todas ellas.

La prisión vivió catorce intentos de fuga, y se supone que la única que terminó en éxito fue la llevada a cabo por Frank Morris y los hermanos Anglin en 1962, y digo se supone, porque la versión oficial dictaminó que se ahogaron, aunque nunca se encontraron los cuerpos. 

Al año siguiente, J. Campbell Bruce publicó el libro "Escape from Alcatraz" sobre la historia de la prisión, donde se relataban los distintos intentos de fuga, incluida la realizada por Morris y compañía. En 1964, Campbell le envío el libro al director Don Siegel con idea de convertirlo en película. Éste le contestó mediante una carta que el libro necesitaría bastante trabajo para llevarlo al cine.

Richard Tuggle (En la cuerda floja) se hizo eco de la famosa fuga de Morris durante una visita a la isla, donde un guía le contó la historia. No sería hasta tres años después, que Tuggle quiso convertirla en un guión de cine, en un momento en el que se quedó sin trabajo en una revista de salud en la que era editor. Encontró el libro de Campbell, que tomó como guía. Tuggle se reunió con éste e hizo un trato con él, bajo el cual recibiría un porcentaje de las ganancias si lograba vender el guión. Tuggle quiso saber quien tenía los derechos de su adaptación al cine, y como el libro estaba agotado, exigía mucho papeleo y daban por sentado que no podría vender el guión, la editorial McGraw-Hill se los dio gratis, algo impensable a día de hoy. Después de eso, Tuggle recurrió a otro libro, éste de escritura de guiones (nunca había escrito ninguno) y por fin pudo trabajar en el libreto. Lo hizo en San Francisco, desde un apartamento desde el que veía la isla de Alcatraz. Buscó información en el FBI y en la oficina de prisiones, tratando de recomponer como se realizó la fuga, gracias también al libro de Campbell. Después de seis meses completó el guión y se mudó a Los Angeles.

Una vez en la ciudad angelina, Tuggle consiguió gracias al "Gremio de escritores" un listado de agentes que aceptarían recibir su guión (no eran precisamente los mejores de la ciudad). Trató de hacérselo llegar a todo el mundo en Hollywood, pero le dieron con la puerta en las narices una y otra vez. Así que al final decidió enviarle el guión al director Don Siegel. Según contaba Siegel, Campbell le había mostrado a Tuggle la carta que le había enviado años atrás. Además Siegel había rodado anteriormente en San Francisco, y al guionista le gustaba su película carcelaria Motín en el pabellón 11 (1954). Todo hacía presagiar que Siegel era el director perfecto.

Tuggle llamó a Lenny Hirshan, el agente de Siegel, y le habló de su guión. El director lo recibió a finales de marzo de 1978, y le gustó de inmediato, pero inicialmente estaba comprometido con rodar Das Boot en Alemania. Siegel creyó que el personaje de Frank Morris era perfecto para Clint Eastwood y le envió el guión. Al actor le interesó el proyecto, y quiso que fuera su siguiente película. Pero quería también ser el productor bajo su sello Malpaso, esto le convertiría en el jefe, pero Siegel quería que esta película fuera suya, y no estaba de acuerdo con Eastwood. El director tomó una decisión que lo convertiría en el máximo responsable de la película, compró personalmente el guión de Tuggle a cambio de 100.000 dólares. Esto provocó una pelea entre Eastwood y Siegel, y el segundo decidió llevar el proyecto a Paramount en lugar de a Warner, estudio con el que Eastwood tenía un acuerdo. Curiosamente el guión ya había sido rechazado previamente por Paramount, pero aceptaron el nuevo guión.

El proyecto de Das Boot se retrasó, lo que le dio la oportunidad a Siegel de hacerse cargo de Fuga de Alcatraz de forma inmediata (finalmente sería Wolfgang Petersen quien dirigiría Das Boot).

Siegel comenzó a buscar otros actores para dar vida a Frank Morris, pero ninguno encajaba, y en Paramount le convencieron para que cediera y aceptase las condiciones de Eastwood (el estudio sabía que éste era un valor seguro para la taquilla). Actor y director hicieron las paces y de esa forma la película sería producida por The Malpaso Company (aunque Eastwod y Siegel jamás volvieron a trabajar juntos).

Eastwood aportó sus propias ideas al guión, y según confesaba Siegel, éste mejoró mucho.

REPARTO

Con Eastwood encargándose de dar vida a Frank Morris, era necesario ensamblar al resto del reparto. Aunque Eastwood acostumbraba a trabajar con su troupe habitual de actores, para Fuga de Alcatraz decidió buscar a interpretes con los que no hubiera trabajado antes. Así el reparto se formó por sólidos actores de carácter.

Patrick McGoohan dio vida al alcaide de Alcatraz Warden Arthur Dollison, Roberts Blossom interpretó a Chester 'Doc' Dalton, Jack Thibeau y Fred Ward encarnaron a los hermanos Anglin (compañeros de fuga de Morris), Larry Hankin dio vida a Charley Butts (quien completa el grupo que trata de fugarse con Morris), en Paul Benjamin recayó el papel del recluso English, Bruce M. Fischer se hizo con el papel del odioso Lobo, y Frank Ronzio interpretó al preso Tornasol.

RODAJE

La fotografía principal de la película comenzó el 16 de octubre de 1978 y se completó en enero de 1979. Tuvo lugar en la propia isla de Alcatraz, y sólo salieron de ella para rodar en los Paramount Studios, donde se crearon algunas celdas. 

La idea de Siegel siempre fue rodar en la isla de Alcatraz. Se reunieron con la "Comisión de Parques y Recreación" para conseguir los permisos, donde les advirtieron que habría visitas de turistas cada treinta minutos, lo que no habría hecho posible el rodaje. Al final la negociación fue sobre ruedas, ya que Eastwood hizo uso de su encanto con los miembros de la comisión, la mayoría mujeres, y gracias a su intervención buscaron la forma de rodar en la famosa isla (aunque no fue un rodaje exento de problemas).

Por una parte, el estado de la prisión era pésimo por su desuso. Por lo que Paramount tuvo que gastarse cerca de 500.000 dólares en renovarla y hacer viable el rodaje (por ejemplo no había calefacción), y hacer creíble el estado de la prisión en la época exacta que narra la película. Además, para tener electricidad, tuvieron que conectar la prisión a la red eléctrica de San Francisco mediante 25 kilómetros de cable.

Entre el 20 de noviembre de 1969 y el 11 de junio de 1971, la isla de Alcatraz fue tomada por un grupo de nativos estadounidenses y varios partidarios suyos, a modo de protesta. Durante dicha ocupación éstos hicieron graffitis por toda la isla. Cuando llegó la hora de rodar, esos graffitis eran incongruentes con el momento en que acontecía la historia (1962), por lo que se vieron obligados a taparlos. Como la "Comisión de Parques y Recreación" los consideraba parte de la historia de la isla, no podían ser borrados, así que la producción los ocultó con una pintura soluble al agua, la cual retiraron una vez concluyó el rodaje. Tampoco les permitieron utilizar agua salada para crear efectos de lluvia, para así evitar problemas de erosión en las instalaciones.

Uno de los problemas que se encontraron durante el rodaje, fue el duro clima que había en la isla, actores y equipo lo sufrieron en sus carnes, sobre todo durante las tomas nocturnas.

Al final las visitas con turistas se siguieron produciendo mientras rodaban la película. Éstos se llevaban la sorpresa de encontrarse con Clint Eastwood rodando una película en el lugar. El actor intercedía a hablar con ellos para que les permitieran rodar, a cambio de firmar autógrafos y hacerse fotos. Pero ni por esas conseguían rodar con una cierta normalidad, así que al final se tomó la decisión de configurar muchas escenas durante la noche, en horarios en los que los turistas ya no se encontraban en la isla.

No se usaron dobles en la película, todos los actores hicieron sus propias escenas de riesgo, incluidas las peleas.

Originalmente la película terminaba con el plano de la cabeza falsa creada por Morris, y no se incluía la escena en la que el alcaide se encuentra un crisantemo en la isla Ángel (hasta la que supuestamente llegaron los tres fugados), y en la que no crece esta flor. Habían filmado esta escena e Eastwood prefería terminar la película con ella, Siegel se encontraba rodando Golpe audaz (1980), y según contaba Tuggle, el director le dio el beneplácito al actor para que la incluyera.

La película se estrenó en Estados Unidos el 22 de junio de 1979, y resultó ser un éxito de taquilla y crítico. Amasó en su país de origen 43.000.000 de dólares, una cifra excelente para una producción que había costado sólo 8 millones de dólares.

VALORACIÓN

Fuga de Alcatraz es una de mis películas favoritas de los setenta, y una de las películas más redondas de las respectivas carreras de Eastwood y Siegel. Fue su última película juntos, y no podría haber sido mejor.

La película empieza de una forma sensacional, con la gran presentación de Morris, en su llegada a "La Roca", y que culmina con ese: "Bienvenido a Alcatraz". Además de servir para introducir al protagonista, también sabemos gracias a esas lluviosas y oscuras imágenes, lo dura que será la vida allí, y lo difícil que puede resultar una fuga en ese lugar.

Al contar la historia desde el punto de vista de Morris, vamos conociendo al mismo tiempo que él a los demás reos, y descubriendo como funciona la prisión. Y desde el primer momento vemos que Morris es alguien especial y que a la mínima tratará de fugarse. En su primera reunión con el alcaide le roba un cortauñas, y pronto comienza a hablar con los reclusos de las posibilidades de una fuga. Alcatraz no es lo suficientemente hermética para retenerle dentro.

La película sabe cómo hacer que simpaticemos con el personaje de Morris, por ejemplo, metiendo al típico personaje que se emperra en hacerle la vida imposible (Lobo), y al que le da su merecido. Pero está bien introducido, porque la pelea entre ambos es la que provoca que Morris acabe con su culo en el bloque D, esa mala experiencia es una de las motivaciones para querer escaparse de la prisión. Y la liberación de Lobo poco antes de la fuga, le imprime unas dosis de tensión extra al tercer acto, ya que Morris tiene otra razón para fugarse, evitar que éste le mate.

Lo que siempre me ha fascinado de la película es que por imposible que sea la tarea que tienen por delante Morris y sus compañeros, sabemos que realmente lo consiguieron, sin importar si al final se ahogaron o no, llevaron a cabo una fuga increíble, y la película nos hace partícipe de ella, contándonos de forma minuciosa cada detalle de la misma, y resulta una gran experiencia. Es una historia más grande que la vida.

Una de las razones por las que nos gusta la película, es que sabemos que Morris es un hombre inteligente y respetamos esa inteligencia, y nos gusta ver cómo se las arregla a cada paso para lograr que su plan de fuga salga adelante.

Me encanta como el guión resuelve algunas escenas siempre tirando de ingenio, como, por ejemplo, el momento en el que Morris tiene que sacar del taller una cuña metálica, y lo consigue al pasar por el detector de metales con dos cuñas, una que le quitan los guardias y otra que logra ocultar en su zapato. O el momento en el que mete en el maletín de su acordeón un ventilador, que después utilizará como taladro, y que consigue ocultar ante los guardias, al ofrecerse a que le revisen su maletín en un control, lo que les hace pensar que no oculta nada, y le dejan marchar.

Tiene momentos de tensión excelentes, como ese que implica a Doc con el hacha en la mano, y que no sabemos hasta el último momento, que en lugar de atacar al guardia, lo que va a hacer es cortarse los dedos de la mano. O ese instante durante una de las incursiones de Morris por los interiores de la cárcel, en el que un guardia se percata que éste no se mueve en la cama (el protagonista ha puesto una cabeza falsa en su lugar), y cuando a va tocarle, Morris aparece en su cama (Siegel nos hace creer que todo se va a ir al traste, pero inteligentemente nos sorprende con el regreso de Morris fuera de cámara).

Pero la película me gana por pequeños momentos, uno que me encanta, es ese instante antes de la fuga, en que Morris se despide English, simplemente respondiendo a su "Hasta luego" con un "Adiós". Al segundo no le hace falta más para saber que no volverá a ver a su amigo. Y es fantástico ese diálogo entre Charley Butts y Morris, en el que el primero le pregunta: "¿Cómo fue tu infancia?", y el segundo le responde: "Corta." Lo dice todo del protagonista con muy poco.

Y es curioso como se las arregla la película para convertir al alcaide en el villano de la función, cuando los protagonistas son todos unos peligrosos criminales, y consigue que nos pongamos de parte de ellos. Patrick McGoohan compone un meticuloso alcaide, emperrado en que los presos cumplan su condena, sin importarle que si se reinsertan en la sociedad, y mediante algunos detalles la película consigue que le odiemos, como al prohibirle a Doc que pueda pintar, o enfurecer tanto a Tornasol que le provoca un ataque al corazón.

Los personajes están muy bien definidos, y la película se toma su tiempo en presentarlos a todos y en crear interesantes interacciones entre ellos. Y los actores resultan ser perfectos para cada papel. Eastwood como siempre está formidable dando vida a un tipo duro, y lleva el peso de la película con total convicción. El mencionado McGoohan crea un villano memorable. Fred Ward da muestras del carisma que le acompañaría en el resto de su carrera. Y actores como Roberts Blossom, Paul Benjamin, Larry Hankin y Frank Ronzio parece que hayan nacido para dar vida a los personajes que interpretan.

Y el final de la película me parece perfecto, con el alcaide encontrando el crisantemo. Por una parte, se puede suponer que los tres fugados se han ahogado, pero por otra, el que aparezca la flor en otra isla nos insinúa que Morris y los Anglin tuvieron éxito en su fuga. Es un final abierto que deja en manos del espectador decidir qué ha sucedido.

La idea de introducir la flor en la escena final me parece brillante y tiene sentido acabar con ella la película. Doc se la pasa a Morris (que representa para el primero aquello que no pueden arrebatarle, la esperanza, pero que desgraciadamente termina perdiendo), y esa flor pasa a representar la esperanza de Morris de salir de la cárcel, y el que el alcaide la encuentre da a entender que ha salido victorioso (al menos moralmente).

Y ese es el tema de la película, la esperanza, y como no debemos perderla por nada en el mundo, aunque en ocasiones cueste hacerlo. Es lo que motiva a Morris a vivir, largarse de Alcatraz cueste lo que cueste, esa idea le hace superar todas las pruebas y dificultades que se le presentan.

La película transmite ese aire de cine duro y áspero de los 70. La historia está contada de una forma eficaz sin demasiadas florituras, pero se nota obra de un narrador nato. Y es que Siegel rueda la película con su buen oficio de siempre, sin grandes alardes, manteniendo siempre una gran naturalidad y verosimilitud, lo que ayuda a que nos creamos lo que sucede ante nuestros ojos.

El director cerró con Fuga de Alcatraz una década de los setenta fabulosa, en la que realizó títulos tan destacados como Dos mulas y una mujer (1970), El seductor (1971), Harry el Sucio (1971), La gran estafa (1973), y El molino negro (1974).

Fuga de Alcatraz es una película tan sólida como la propia "La Roca". Una obra cumbre dentro de las carreras de Eastwood y Seagal. Y de lo mejor del cine de los setenta y del género carcelario. Pasar estas dos horas en Alcatraz no son ninguna condena, si no todo un placer para un amante del cine.

CURIOSIDADES

Clint Eastwood ya había visitado Alcatraz en la película Harry el ejecutor (1976).

Mientras rodaba en los estudios de Paramount Fuga de Alcatraz, a Siegel le ofrecieron rodar Golpe audaz (1980), que terminaría siendo su siguiente película. 

Primera película de los actores Danny Glover y Carl Lumbly.

Clint Eastwood y el guionista Richard Tuggle trabajaron juntos En la cuerda floja (1984), dirigida y escrita por Tuggle.

Hay una escena incluida en el guión que nunca se llegó a rodar, en la que Morris se encuentra en su celda durante las Navidades, y tiene un caramelo que le han entregado, al igual que al resto de los reclusos, cuando le quita el envoltorio se le cae y va a parar fuera de su celda y no consigue alcanzarlo.

Fue la quinta y última colaboración entre Clint Eastwood y Don Siegel.

Fred Ward hizo una parodia de su papel en esta película en Agárralo como puedas 33 1/3: El insulto final (1994).

El personaje de Charley Butts se basa en el preso Allen West, compañero de fugas de Morris, quien a diferencia de lo que muestra la película, no llegó a fugarse, no porque le entrara el miedo y se retrasara, sino porque la noche de la fuga no logró quitar la rejilla de la ventilación de su celda, y los otros tres presos tuvieron que dejarle atrás.

La película de guerra que los protagonistas ven en la prisión es Comando (1962), dirigida por Don Siegel.

Quentin Tarantino le dedica a la película un capítulo en su libro "Cinema Speculation".

BILIOGRAFÍA

A Siegel Film: An Autobiography (Don Siegel, 1993)

Cinema Retro Magazine (Nº 15)

Clint: The Biography of Cinema's Greatest Ever Star (Douglas Thompson, 2007)

Clint: The Life and Legend (Patrick McGilligan, 1999)

IMDb

Reel Power: The Struggle for Influence and Success in the New Hollywood (Mark Litwak, 1986)

Alcatraz, una prisión con mucha historia (National Geographic, 3 oct 2011)

Clint Eastwood: Interviews (Robert E. Kapsis y Kathie Coblentz, 1999)

Clint Eastwood: A Biography (Minty Clinch, 1995)

The Great Escape from Alcatraz (Alcatraz History)

Héroes fuera de órbita

"Nunca abandonar. Nunca rendirse."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Los protagonistas de una vieja serie de ciencia ficción, son tomados por unos extraterrestres como auténticos héroes, y los reclutan en una misión para salvar su mundo.

CAPITÁN STARSHINE

En 1994, Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen fundaron DreamWorks, un nuevo estudio que quiso competir con los ya existentes en Hollywood, y que se lanzó a la producción de nuevos títulos que lo aupasen a lo más alto. Uno de ellos sería Héroes fuera de órbita (Galaxy Quest, 1999).

También en 1994, Mark Johnson creó su propia productora Gran Via Productions, tras una exitosa carrera en Baltimore Pictures, productora que compartía con Barry Levinson.

DreamWorks y Gran Via Productions llegaron a un acuerdo, y juntos trataron de sacar adelante una película de ciencia ficción. Todo comenzó optando por un guión escrito por David Howard, titulado "Captain Starshine", que narraba como unos aliens confundían a los actores de una vieja serie de televisión con unos héroes reales. La idea de partida se le ocurrió a Howard en un cine IMAX cuando vio un trailer cuyo narrador era Leonard Nimoy, y se imaginó a los actores de Star Trek encasillados siempre en el mismo papel. "La idea de estar atrapado en ese mundo me pareció algo potencialmente muy divertido," confesaba el guionista a IGN. "¿Cómo te alejas de eso y decides: 'No, ya no voy a hacerlo nunca más?'" Su guión se centraba principalmente en el protagonista, y no tanto en el resto de la tripulación.

Johnson vio potencial en el guión, pero sólo tomaron su punto de partida y reescribieron el resto. Contactaron con varios guionistas para la reescritura, pero ninguno parecía ser el indicado, hasta que llegó Robert Gordon (Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket), quien dio en el blanco. Su idea fue que al protagonista, Jason Nesmith le encantase ser el comandante de la serie, y desde ahí la historia despegó. Aunque inicialmente Gordon tuvo sus dudas sobre si aceptar el encargo, y no fue hasta que dio con una idea clavé, que supo que podría escribirlo. "El momento en que realmente sentí que podía escribirlo ahora me parece muy obvio," contaba el guionista en el documental Never Surrender. "Es cuando ellos tienen que admitir que son sólo actores y que no son héroes, y todo se fastidia, fue cuando eso encajó y dije: 'Sí, lo tengo'." Y fue idea suya que los protagonistas viajaran al espacio. Howard por su parte, sólo participó en el guión al comienzo del proyecto, durante unas pocas semanas, aportando algunas ideas. Con el primer borrador de Gordon, la película obtuvo luz verde (que inicialmente cambió el título a "Galaxy Quest: The Motion Picture" y con el tiempo se quedó en tan solo Galaxy Quest).

El primer director asignado al proyecto fue Harold Ramis (Atrapado en el tiempo), cuya incorporación se anunció a finales de 1998. Gordon trabajó con mano a mano con él en el guión.

Ramis deseaba que el papel de Jason Nesmith lo interpretase Kevin Kline. Ya estaban construyendo los platós, cuando Kline decidió no participar en la película debido a motivos personales. La película había perdido a su comandante y necesitaban enrolar a uno urgentemente. Se barajaron varios nombres, como los de Bruce Willis, Tim Robbins, y Mel Gibson. Se lo ofrecieron a Steve Martin, Bill Murray y a Robin Williams, pero no aceptaron.

Al final el estudio escogió a Tim Allen. Pero hubo diferencias con Ramis, quien no estaba de acuerdo con la participación del actor (prefería a Alec Baldwin). "Tuve un almuerzo muy peculiar con Jeffrey Katzenberg y Harold Ramis," contaba Allen a The Hollywood Reporter. "Katzenberg me propuso la idea del personaje del comandante y luego empezaron a hablar, y quedó claro que Ramis no me veía para el papel. Fue bastante incómodo." Sea como fuere, al final Allen fue contratado, pero en febrero de 1999, se anunció que Ramis dejaba la producción. Otra gran ausencia que debía ser reemplazada con más urgencia que la anterior. "Nos reunimos con tal vez ocho directores, tal vez diez," explicaba la productora ejecutiva Elizabeth Cantillon en Never Surrender, "pero fue muy rápido." Dean Parisot (Bill y Ted salvan el universo) leyó el guión y quiso hacerlo, y Johnson, con quien había trabajado en Todo queda en casa (1998), le ofreció el proyecto. Para DreamWorks era un desconocido, pero el apoyo incondicional de Johnson hizo que Parisot fuera contratado.

REPARTO

Allen fue el primer actor en sumarse a la película, a cambio de un sueldo de 2 millones de dólares. El actor decidió no basarse en William Shatner para componer a Jason Nesmith / Comandante Peter Quincy Taggert. "Me gustó la forma en que Yul Brynner se sentó en su trono en Los diez mandamientos," confesaba Allen a la MTV. "Trabajé a partir de eso. Estudié eso. Bueno, alquilé la cinta." Ahora quedaba enrollar al resto de la tripulación de la "NSEA Protector".

Sigourney Weaver se emperró en conseguir el papel de Gwen DeMarco / Teniente Tawny Madison, y tuvo que luchar para que la contrataran. "Había oído que Harold estaba dirigiendo una película de ciencia ficción, pero que no quería a nadie que hubiera hecho ciencia ficción," explicaba la actriz a The Hollywood Reporter. Al final se llevó el gato al agua. "Lo primero que le dije a Dean fue que la teniente Tawny Madison tenía que ser rubia y tener tetas grandes," comentaba divertida la actriz al mismo medio. Tanto le gustaba su caracterización, que en ocasiones se iba al hotel con la peluca rubia y los pechos aumentados al acabar el día.

El británico Alan Rickman se hizo con el papel de Alexander Dane / Dr. Lazarus, y su interés por el proyecto vino porque, el de Héroes fuera de órbita era, "realmente uno de los guiones más divertidos que he leído," según contaba a la revista Starlog.

Le ofrecieron el papel de Guy Fleegman a Sam Rockwell, pero inicialmente lo rechazó. El actor se había comprometido en hacer una película con Marisa Tomei, y tenía dudas de participar en Héroes fuera de órbita, ya que quería enfocar su carrera para ser un actor de carácter, al final fue Kevin Spacey quien le convenció de aceptar el papel. "Pensé que podría interpretar a Guy Fleegman y aún hacer El cazador," confesaba el actor a The Hollywood Reporter. "Puedo interpretar a un bufón y luego darle la vuelta con un papel versátil en la próxima película." Sus referentes para componer a Guy fueron, según explicaba a MTV, "Bill Paxton en Aliens mezclado con Michael Keaton en Turno de noche."

Se consideró a David Alan Grier (Jumanji) para el papel de Tommy Webber / Laredo, pero el finalmente escogido fue Daryl Mitchell. Parisot había trabajado con él en Todo queda en casa (1998), e insistió en que lo contrataran. Como era más joven que el resto del reparto, tuvieron que justificar su edad, haciendo que en la serie original su personaje fuera un niño, el cual fue interpretado Corbin Bleu.

A Tony Shalhoub le enviaron el guión y tuvo una reunión con Parisot, en la que lo consideraron para interpretar a Guy Fleegman, cuando Rockwell aún se lo estaba pensando. Cuando al final el protagonista de Moon aceptó el papel, a Shalhoub le ofrecieron el de Fred Kwan / Chen, que originalmente era asiático. "Dije: 'No voy a interpretar a un tipo asiático, pero interpretaré a un tío que interpreta a un asiático. ¿Qué hay sobre eso?'," contaba el actor a MTV.

Enrico Colantoni leyó el guión mientras rodaba la serie Dame un respiro (1997-2003), e hizo una audición para interpretar a uno de los aliens con Parisot y Debra Zane, en la que puso una peculiar voz que había ensayado, y cuando el director la oyó, supo que había encontrado la forma en la que hablarían los thermianos. Así Colantoni fue contratado para dar viada su líder, Mathesar. Y para las audiciones del resto de actores que interpretaron a los demás extraterrestres, trataron que imitaran la voz de Colantoni.

En el caso de Missi Pyle, llegaron a mostrarle la audición de Jed Rees para el papel de Mathesar (actor que terminó interpretando a Teb) para que supiera como debía comportarse su personaje. Al final Pyle fue escogida para dar vida a Laliari, por delante de Jennifer Coolidge, otra contendiente al papel. Tanto creía en ella la directora de casting Debra Zane, que grapó a su tarjeta del "Casting Society of America" a la audición y se la envió a Parisot, diciendo que si no la escogían, abandonaría la película. Por suerte, eso no fue necesario.

Justin Long se hizo con el papel de Brandon, y eso que los otros contendientes eran Kieran Culkin, Eddie Kaye Thomas y Tom Everett Scott. Long había rodado un piloto, cuya directora de casting era Bonnie Zane, hermana de Debra Zane, quien le recomendó al actor para el papel de friki. La película significó su debut en el cine. Parisot le dio a Long un documental llamado Trekkies (1997), para que éste se preparara su papel de fan de la ciencia ficción.

Rainn Wilson (The Office) hizo su debut en el cine interpretando al thermiano Lahnk. El papel era originalmente más grande, pero como se había comprometido con el piloto de la serie The Expendables (1999) y un pequeño papel en Casi famosos (2000), al final fue recortado.

El resto del reparto lo formaron Robin Sachs (como el villano Sarris), Patrick Breen (en el papel de Quellek), y Jeremy Howard (dando vida a Kyle).

RODAJE

La fotografía principal comenzó el 19 de abril de 1999, y se extendió hasta el 13 de agosto del mismo año. La película se rodó principalmente en los Culver Studios (California) y para los exteriores se utilizaron diferentes localizaciones de Los Angeles. Y sólo salieron de California para viajar al Goblin Valley State Park (Utah), que dio vida al planeta desértico.

Los decorados fueron diseñados por la directora artística Linda DeScenna, toda una experta trekkie, ya que había sido la decoradora de Star Trek: La película (1979). Cuando Ramis era el director al cargo del proyecto, la serie de televisión se situaba a finales de los 60, y así DeScenna fue creando los sets con la estética de esa época, pero una vez Parisot fue contratado, la serie pasó a ser de finales de los 70, más acorde con la edad de los actores, y la directora artística tuvo que modificar los sets para adaptarlos a esa década.

Antes de empezar el rodaje, los actores que interpretaban a los thermianos, se reunieron durante una semana, en lo que llamaron la "Escuela Thermiana", para ensayar las voces y gestos de los aliens, y de esa forma ser un grupo afinado cuando empezase el rodaje. "Tenemos una forma de caminar específica," contaba Jed Rees a la revista Starlog. "Normalmente, cuando caminas, tu pierna va con tu brazo opuesto; con los thermianos, la misma pierna y brazo se mueven juntos. [...] La forma de caminar fue creada simbióticamente."

Fue un rodaje muy divertido donde todos se llevaron de maravilla y reinó el buen ambiente. Allen no paraba de bromear, como recordaba Shalhoub a MTV, había "muchas bromas de pedos con Tim. Algunas no eran bromas, eran realmente pedos."

Y esa costumbre de bromear entre tomas de Allen, fue la que provocó que al comienzo del rodaje, no hubiese un buen entendimiento entre él y Rickman. "No creo que le agradara mucho cuando empezamos a rodar Héroes fuera de órbita," confesaba el protagonista de ¡Vaya Santa Claus! a The Hollywood Reporter. Además el estilo de interpretación de Allen surgido del mundo del stand-up, chocaba con el de Rickman, proveniente del teatro británico, pero al final se terminaron haciendo amigos. "Un día en el set," contaba Allen al mismo medio, "Alan se acercó a mí y se disculpó. Dijo que confundió mi comportamiento con falta de compromiso." 

Síntoma del buen rollo entre los actores, se vio relejado el día del cumpleaños de Daryl Mitchell, Weaver contrató una stripper para que hiciera un baile erótico en el set. La vistieron con uno de los uniformes de la película y la hicieron pasar por una extra, cuando comenzó a bailar, Weaver salió por patas del lugar. Además, cuando el rodaje coincidió con 20º aniversario de Alien (1979), Weaver se presentó a la proyección de la película en el "Egyptian Theater", con sus compañeros de Héroes fuera de órbita (y por supuesto con su peluca rubia).

Hubo algunas presiones por parte del estudio, como por ejemplo, eliminar toda la subtrama de Justin Long. De hecho, una vez ya iniciado el rodaje, el director de producción quiso eliminar una de las mejores escenas de la película, aquella en la que en medio de una situación límite, la madre de Long le obliga a sacar la basura. Parisot se enfrentó a él, y al principio aceptó no filmarla, pero cuando un día terminaron de rodar antes de tiempo, aprovechó y rodó rápidamente la escena con Long y las bolsas de basura, consiguiéndolo en tan sólo dos tomas.

En el último momento, el estudio también quiso cambiar el diseño de los thermianos, creado por el Stan Winston Studio, una vez las cinco marionetas de silicona estaban construidas y cuando sólo quedaban tres semanas para que las filmaran en el set. Spielberg vio a los aliens con aspecto de pulpo, y le parecieron demasiado feos, y prefirió que tuvieran un aspecto más cercano a los de Encuentros en la tercera fase (1977). Winston habló con Spielberg y le convenció para mantener los diseños que habían creado. 

Todos los aliens de la película fueron creados por el Stan Winston Studio, incluida la cabeza del Dr. Lazarus. Para dar vida a Sarris, emplearon una técnica desarrollada por Winston para la versión nunca realizada de El planeta de los simios que iba a dirigir James Cameron, y que permitía que las expresiones faciales de un actor se reflejasen en una aplicación de maquillaje externa.

Y como se trataba de una parodia de Star Trek, tuvieron que tener sumo cuidado con el diseño de la nave "NSEA Protector", para evitar una demanda de Paramount. Los abogados de DreamWorks estuvieron supervisando el trabajo de los artistas. A uno de los asistentes de producción de ILM se le ocurrió como esquivar una posible demanda, y el número de la nave (3120) fue precedido de las siglas NTE, que significaba "Not the Enterprise" (No es el Enterprise). "Así podríamos defendernos ante un tribunal," explicaba Bill George, co-supervisor de efectos visuales en el documental Never Surrender, "y decir: 'No es el Enterprise, porque lo dice aquí mismo'."

Pero pese a lo que pueda parecer, DreamWorks dejó bastante tranquilos al equipo de Héroes fuera de órbita, sobre todo porque estaban también realizando Gladiator (2000), que atravesaba por problemas de todo tipo.

Lo curioso es que muchas situaciones e incluso algunos personajes, se fueron inventando sobre la marcha. Por ejemplo, cuando los protagonistas aterrizan en el planeta desértico, originalmente no hacían ningún tipo de comprobación de su atmósfera, Allen se dio cuenta de ello y se lo comento a Parisot. Al final lo resolvieron de forma cómica, con Rockwell improvisando totalmente enloquecido su preocupación sobre si habrá aire, y con Shalhoub dando un par de bocanadas y diciendo simplemente: "¿Creo que sí?". Para otra escena, Rockwell le pidió permiso a Gordon cambiar la frase de su personaje a "Eso no vale", cuando ve a Kwan y Laliari besándose. "Olvidé lo que escribí," confesaba Gordon a MTV, "pero no fue tan bueno como eso." Y fue idea de Shalhoub el abrazo en grupo en la sala de motores.

El personaje que interpreta Shalhoub fue cambiando a lo largo del rodaje. Simplemente no funcionó tal cual estaba escrito originalmente (esa idea de que interpretaba a un asiático), así que crearon uno nuevo, y de esa forma Fred Kwan se convirtió en un fumeta (aunque nunca se dice explícitamente). Shalhoub se inspiró en David Carradine en la serie Kung Fu. "Escuché que estaba fumado todo el tiempo, y fuera cierto o no, lo usamos como punto de partida para Fred Kwan," explicaba Shalhoub a The Hollywood Reporter. Y el actor le añadió algunas ideas para completar el personaje, como que siempre llevase una bolsa de papel con comida. "Dean y los escritores, nos lo inventamos sobre la marcha," confesaba Shalhoub a AV Club. Además se le dio un interés romántico con el personaje de la alien Laliari.

Por otro lado, Spielberg creyó que Laliari debía tener un mayor protagonismo. "Vino y vio mi personaje y maquillaje, y decidió que debería ser un papel mayor," contaba Missi Pyle a MTV. "Se suponía que sólo debía estar en dos escenas, y luego se dieron cuenta de que no tenían otra mujer excepto a Sigourney Weaver."

Spielberg sólo visitó un día el set de rodaje. Y fue el día en que Allen debía rodar la escena en la que le confiesa a Mathesar que realmente es un actor. Mientras veía a Allen entregado en la escena toma tras toma, el director de Tiburón le comentó a Parisot lo mucho que le sorprendía su interpretación, y después felicitó al actor por ello. Una vez terminó la última toma, Allen se fue totalmente emocionado a su trailer. Según se explica en el documental Never Surrender, Rickman le dijo a Parisot: "Dios mío, creo que acaba de sentir la actuación."

Ese día con Spielberg en el set, éste demostró ser uno más del equipo. "Yo estaba bromeando con todos entre tomas y vi a Spielberg hablando con uno de los productores en el dispensador de agua," contaba Daryl Mitchell a The Hollywood Reporter. "Grité: 'Tío, estoy trabajando muy duro. Ey Steven, tráeme un agua'. Sin interrumpir la conversación, Steven se inclinó, agarró una botella y me la arrojó. El elenco no podía creer que yo hiciera eso, pero Steven era demasiado guay."

Para dar vida al heroico Jason Nesmith, Allen se preparó físicamente para el papel, para ello se sometió a un duro entrenamiento gracias a una entrenadora profesional (Jane Hajduk, que más tarde se convertiría en su mujer), y siguió una estricta dieta. 

En medio del rodaje, cuando tenían que rodar la escena sin camiseta (ahí la razón de ponerse en forma), Allen se dio cuenta que en ninguna escena posterior se la volvía a poner, y el actor se negó a pasarse el resto de la película sin ella. Así que lo solucionaron simplemente haciendo que la camiseta se teletransportara a la nave con Allen. No tenía mucho sentido, pero pasa bastante desapercibido.

Cuando tocó rodar la escena en la que Tommy saca la nave de la estación espacial, para simular en el set el ruido de la nave arañándose, el propio Parisot se dedicó a hacer el ruido con la boca para acompañar a la escena.

Rockwell se preparó para filmar la escena en la que viajan al planeta rocoso en una nave, tomando cuatro tazas de café y dos Excedrin, ya que según explicaba a MTV, "quería estar tan excitado como si tuviera un ataque de nervios en el transbordador." Así obró la magia de uno de los momentos más divertidos de la película.

En un momento de la película, Sarris se hace pasar por Fred Kwan (Shalhoub) y Nesmith (Allen) pelea con él. Cuando rodaron la escena, Allen golpeó realmente a Shalhoub, así que Parisot decidió cambiar a Allen por un experto especialista y así evitar cualquier tipo de lesión en el actor. 

El mayor incidente durante el rodaje fue un pequeño incendio que se produjo en el set. Como Parisot  decidió rodar en anamórfico, el cual precisa mucha luz, pusieron polietileno brillante en los suelos para darle más vida. El problema es que al encender las luces, el suelo se derritió.

Técnicamente la película tiene varios hallazgos interesantes. Por ejemplo, cuenta con tres formatos diferentes, empieza con uno de 1:1.37 (típico de la televisión), cuando se recrea la serie original de "Galaxy Quest"; pasa después a 1:1.85; y en la escena en la que Jason descubre que está en el espacio, el formato vuelve a cambiar, esta vez a 2:1.35 (todavía más grande) y se mantiene con ese formato el resto de la película. Muchos se perdieron ese efecto en el cine, ya que los proyeccionistas no estaban avisados y no abrían las cortinas lo suficiente para apreciarlo. Cuando se dieron cuenta de este error, la producción lo comunicó a los cines.

Los espectaculares efectos visuales corrieron por cuenta de la "Industrial Light and Magic", que se encargó de crear para la ocasión más de 300 planos con efectos visuales, bajo la supervisión de Bill George.

Para hacer creíbles los movimientos de la nave "NSEA Protector", se construyó el set sobre una plataforma articulada, la cual podía levantarse varios centímetros del suelo e incluso simular las sacudidas provocadas por los impactos recibidos.

David Newman fue contratado para poner música a las aventuras de "Galaxy Quest". El compositor llegó al proyecto a través de Jeff Carson, el supervisor musical de la película. Y lo primero que hizo fue componer el tema principal, el cual le salió a la primera, y del que hizo dos versiones. "Uno era una parodia del tema original de Star Trek," contaba el compositor a Go See Talk, "con los coros y los elementos de bossa nova, que escribió Sandy Courage, y el otro era el tema que se incluyó en la película, el tema 'heroico'."

"DreamWorks no sabía qué hacer con la película," declaraba Johnson a The Hollywood Reporter. Pese a toda la libertad que tuvieron durante el rodaje, DreamWorks decidió en el último momento que sería su película para las navidades, para competir contra Stuart Little (1999). 

Cuando hicieron un pase de prueba de la película, la recepción no fue la deseada, ya que se esperaban una película de corte más infantil y se encontraron con algo diferente. Terry Press, la responsable del marketing, no pudo presentarse a dicho pase por estar embarazada de gemelos. "Si hubiera estado allí, se habría dado cuenta de que se trataba de una película para el público," declaraba Johnson a MTV. Así que la campaña de promoción nunca fue la adecuada, y lo que es peor, fue insuficiente. No sabían que tenían un diamante en bruto entre manos, y la película llegó a las salas de cine sin apenas promoción. Allen viajó a Australia, pero poco más.

Al final cortaron varias escenas e hicieron cambios para acercarla al público infantil. La película originalmente tenía un humor más enfocado en los adultos, lleno de tacos, y violencia. "Cuando la escribí originalmente, no estaba pensando en una película familiar, sólo en lo que quería ver," confesaba Gordon a MTV. "Entonces, cuando la nave aterriza en el sala de convenciones en el borrador original, decapita a un grupo de personas. También filmamos cosas en las que Sigourney intenta seducir a algunos extraterrestres." Además en la escena de los masticadores originalmente Weaver gritaba: "Well, fuck that!", pero lo doblaron para que dijese el mucho más suave: "Well, screw that!". Si no uno se fija bien en la versión original, verá que la frase que dice no coincide con sus labios. Además hicieron incluir la escena en la que la limusina que lleva a Jason Nesmith sale volando, para dejar claro que todo lo que ocurre era real, ya que originalmente el personaje se quedaba dormido y cuando se despertaba ya estaba en la nave espacial, lo que creaba la ambigüedad de si todo lo que narraba la película era un sueño.

La película se estrenó el 25 de diciembre de 1999, y recaudó en Estados Unidos 71.583.916 de dólares, siendo su recaudación final a nivel mundial de 90.683.916 de dólares. Tendiendo en cuenta que su presupuesto fue de 45 millones de dólares, salvó los muebles, pero se quedó lejos de la taquilla que podría haber hecho.

Al final Héroes fuera de órbita hizo suya la frase nunca abandonar, nunca rendirse, y poco a poco se ha convertido en una película de culto, y ha conseguido una legión de fans tan fiel como la trekkie. Además ya cuenta con su propio documental Never Surrender: A Galaxy Quest Documentary (2019).

ESCENAS ELIMINADAS

Existen varias escenas cortadas del montaje final, que han sido incluidas en las ediciones de vídeo doméstico. Son las siguientes:

1. Los thermianos llevan a los protagonistas a la sala del reactor, y le piden ayuda a Fred Kwan para resolver un difícil problema, algo que hace éste hace gracias a la ayuda de un ingeniero thermiano, pero se lleva él todo el mérito.

2. Quellek le muestra a Dane su habitación en la nave, que dispone de una cama formada por pinchos y un extraño inodoro.

3. Una versión alternativa de la escena de la conversación entre Jason y Gwen, en la que se deja entrever (de forma más evidente que en la película) que tuvieron algo en el pasado.

4. Guy exagera cuando su pie queda atrapado en una zanja, Jason le ayuda y hace su "pose vigorosa".

5. La lucha entre Jason y el monstruo de rocas es más larga, y se incluye un momento en el que Dane usa un método de interpretación para descubrir la motivación del monstruo. Al final, Jason lanza unas piedras para atraer a éste hacia una garganta, y el monstruo queda sepultado por unas rocas, pero se recompone rápidamente.

6. Cuando Jason y Gwen van a apretar el botón azul para activar el "Omega 13", aparecen dos esbirros de Sarris y ella trata de seducirlos, cuando se colocan delante de una de las compuertas, ella pide al ordenador que la cierre y los aplasta.

7. Mientras tratan de aterrizar la nave en el parking de la convención, Sarris se despierta y todos comienzan a luchar contra él.

VALORACIÓN

Hérores fuera de órbita es posiblemente la comedia más infravalorada de los 90, cuando se trata de una de las mejores que salieron de aquella década.

Lo más brillante de la película, y en lo que me parece adelantada a su tiempo, es que funciona a dos niveles, por una parte es una gran parodia de Star Trek, pero a la vez funciona como aquello que parodia, ya que es una excelente y entretenidísima película de ciencia ficción. Algo a lo que nos acostumbraríamos después con Edgar Wright y su "Trilogía del Cornetto", pero ahí estaba  primero Héroes fuera de órbita. E incluso podemos ver la película como un precedente de Guardianes de la galaxia (2014) en su mezcla de space opera y cachondeo.

Héroes fuera de órbita es una película que trata sobre los fans, de hecho es LA película sobre los fans. Fue la primera que habló sobre esos frikis que acuden a convenciones y lo saben todo sobre una serie. Y la película nos cuenta como la pasión de estos fans hacen realidad aquello que tanto admiran. Los thermianos logran basar su sociedad (su universo particular), de lo que han aprendido de la serie de televisión, e incluso han construido a escala real la nave "NSEA Protector". Y el corazón de la película está en el personaje de Justin Long, quien no sólo descubre que las aventuras de sus héroes son reales, si no que además termina formando parte de ellas.

Al mismo tiempo, los protagonistas de la serie tienen la oportunidad de dar vida en el mundo real aquellos personajes que inmortalizaron en la pequeña pantalla, y sólo necesitan que alguien crea en ellos para hacerlo realidad. De esa forma, la ficción se vuelve realidad, de una forma sutil esos personajes de ficción cobran vida.

Hay guiños claros a Star Trek, pero muy bien integrados en la trama, desde la broma sobre como Jason siempre pierde su camiseta (algo que frecuentemente le sucedía a Kirk), pasando por la escena de la nave saliendo del muelle espacial como parodia de una escena similar en Star Trek: La película (1979), y la lucha de Jason con el monstruo de piedra en un planeta desértico, que recuerda a la famosa escena de William Shatner luchando contra un monstruo reptiliano en el episodio "Arena", incluso en Star Trek V: La última frontera (1989) estaba previsto que hubiese un monstruo de piedra, pero fue eliminado del montaje final.

A Jason le encanta ser el comandante y recibir todo el reconocimiento, por eso abraza la propuesta de ayudar a los thermianos, porque puede ser realmente el comandante Peter Quincy Taggert. Entre él y Gwen hay una atracción, pero a ella no le gusta su lado egoísta, y sólo una vez Jason pasa por todo su arco hasta ser un auténtico líder, que ella lo acepta. Y es que los personajes están muy bien definidos y nos interesan, y sobre todo nos divierten. Funcionan muy bien como un equipo, y su dinámica es fantástica (por ejemplo, entendemos esa rivalidad entre actores de Jason y Dane). Toma como referentes los personajes de Star Trek, pero les da una vuelta y hace que tengan personalidad propia, aunque podemos ver rasgos de Kirk/Shatner en Jason/Allen o de Spock/Nimoy en Dane/Rickman. Y los thermianos, unos extraterrestres tan inocentes que no entienden el concepto de mentir, sólo pueden caernos bien, y ese aspecto hace que resulte creíble que se tomen la serie como algo real.

Uno de los puntos fuertes de la película es su reparto. Tim Allen nunca ha estado mejor que en Héroes fuera de órbita, nos resulta totalmente creíble como la estrella de una serie de televisión de ciencia ficción (hay que recordar la popularidad que contaba con Un chapuzas en casa y que puso voz a Buzz Lightyear en Toy Story), y es perfecto como remedo de William Shatner sin llegar a imitarlo directamente. Alan Rickman está muy divertido como ese Leonard Nimoy cansado del papel que le dio la fama, y vuelve a demostrar su don para la comedia (e interpreta a un actor Shakesperiano que trabaja en ciencia ficción, y justo él era un actor shakesperiano haciendo ciencia ficción). Sigourney Weaver hace un papel opuesto a Ripley y demuestra que tiene una gran vis cómica. Tony Shalhoub consigue sacar oro de un personaje, que sobre el papel no tiene nada. Pero el que se lleva la palma es un divertídisimo Sam Rockwell, nadie como él para dar vida a un idiota de forma memorable.

El guión funciona como un tiro y hay escenas que demuestran que estamos ante algo más que una buena comedia. Como por ejemplo, en la escena en la que Alexander Dane recita para Quellek su famosa frase del martillo de Grabthar. Esta escena sirve para que, por una parte Dane haga las paces con su personaje y lo acepte, por otro le regala a un fan que las últimas palabras que oiga sean la frase que el actor se niega siempre a decir y que tanto le gusta, y a otro nivel encaja con la escena ya que cuando jura venganza, realmente venga la muerte del thermiano. Es una escena perfecta.

Y hay hueco para otros momentos dramáticos, como la confesión de Jason a Mathesar diciéndole que es un actor.

Pero la película donde brilla, es por supuesto en los momentos de comedia, y está plagada de muchos geniales. Uno de mis preferidos es cuando todos los protagonistas son transportados a la estación espacial y llegan totalmente mareados y fuera de sí, pero el personaje de Fred Kwan está tranquilo como si no hubiera pasado nada. Y tiene otros muy sutiles que pasan prácticamente desapercibidos, como que Dane lleve a lo largo de toda la película el maquillaje del Dr. Lazaraus (siempre está metido en el personaje) incluso cuando está en casa, y conforme avanza la película se va deteriorando. O que Kwan interprete a un oriental en la serie, pero sólo de forma intermitente, como si en ocasiones no se acordase de ello.

Me gusta como cierran la película, con imágenes del regreso a la televisión de la nueva temporada de "Galaxy Quest", utilizando los créditos de esta serie con la presentación de cada personaje para usarlo como créditos finales de la película, como esas películas (normalmente bélicas) que cierran con una cortinilla similar. Aquí está integrado de una forma muy orgánica.

La película toma el mismo high concept de Tres amigos (1986), pero lo mejora. Donde aquella se quedaba en la broma fácil, Héroes fuera de órbita le añade varias capas al conjunto.

Héroes fuera de órbita es una gran comedia de ciencia ficción, que gana con los años. Está llena de diversión, espectáculo y cariño por los fans. Es mejor película de Star Trek, que la mayoría de las películas de Star Trek (y tiene mejores efectos especiales). Así que por el martillo de Grabthar, darle una oportunidad a esta película.

CURIOSIDADES

Robert Gordon no leyó el guión de David Howard, hasta después de que la película estuvo terminada.

Paul Rudd hizo una audición para la película.

Al final de la película se dice que la serie "Galaxy Quest" regresa con nuevos episodios, 18 años después de su cancelación. Star Trek: La nueva generación (1987-94) se estrenó 18 años después de la cancelación de Star Trek (1966-69).

Tim Allen, es un gran fan de la ciencia ficción, y durante el rodaje le insistió a Sigourney Weaver para que le firmase un trozo de atrezzo que poseía de Alien (1979). Al final lo consiguió, y ella escribió: "Robado por Tim Allen. Con amor, Sigourney Weaver."

En 2008, se comenzó a publicar el cómic de "Galaxy Quest", obra de Scott Lobdell e Ilias Kyriazis, a modo de secuela de la película.

Ganó el premio Saturn al mejor actor (Tim Allen). Y fue nominada en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor director (Dean Parisot), mejor actriz (Sigourney Weaver), mejor actor secundario (Alan Rickman), mejor interpretación de un joven actor/actriz (Justin Long), mejor música (David Newman), mejor vestuario (Albert Wolsky), mejor maquillaje (Stan Winston, Hallie D'Amore y Ve Neill), y mejores efectos especiales (Stan Winston, Bill George, Kim Bromley y Robert Stadd).

Ganó el premio Hugo a la mejor presentación dramática (Dean Parisot, David Howard y Robert Gordon).

Dos actores de la película han trabajado en series de Star Trek, Heidi Swedberg lo hizo en un episodio de Star Trek: Espacio Profundo Nueve (1993-99) y Rainn Wilson en dos episodios de Star Trek: Discovery (2017).

Gordon escribió la frase, "Por el martillo de Grabthar", de forma temporal, para cambiarla posteriormente por una mejor, pero cuando vio que comenzaron a imprimir camisetas con ella, se terminó quedando tal cual estaba.

En 2015, se anunció la realización de una serie con todo el reparto de regreso, pero la muerte de Alan Rickman en 2016 echó al traste el proyecto.

La película se ha vuelto muy popular entre los fans de Star Trek, tanto que en la "Star Trek Convention" de 2013 en Las Vegas, entró dentro de la votación de las mejores películas de la saga, y se colocó en el puesto 7º del ranking

La revista Rolling Stone la situó en el puesto 79, de su lista de "Las 150 mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos".

BIBLIOGRAFÍA

Never Surrender: A Galaxy Quest Documentary (2019)

'Galaxy Quest': The Oral History (MTV, 23 jul 2014)

Starlog Magazine (Nº 269, 270)

Exclusive: Interview…Composer David Newman to Conduct 20th Anniversary Concert for ‘Galaxy Quest’ (Go See Talk, 6 dic 2019)

Tim Allen Recalls How He Won Alan Rickman Over: "I Don't Think He Liked Me All That Much" (The Hollywood Reporter, 19 ene 2016)

DreamWorks "Screwed Up": Why Cult Classic 'Galaxy Quest' Wasn't a Bigger Hit (The Hollywood Reporter, 24 dic 2019)

Missi Pyle has been in seemingly half the movies you’ve seen (AV Club, 13 abr 2016)

Tony Shalhoub on BrainDead, Monk, and acting stoned in Galaxy Quest (AV Club, 2 jul 2016)

Enrico Colantoni on Veronica Mars, Galaxy Quest, and the importance of talcum powder (AV Club, 16 jul 2016)

IMDb

Rainn Wilson Interview: Galaxy Quest 20th Anniversary (Screen Rant, 23 oct 2019)

Interview with GALAXY QUEST screenwriter David Howard (IGN, 21 may 2012)

Galaxy Quest (Entertainment Weekly, 16 nov 1999)

Hanks, Ford outclout film on hizzoner (Chicago Tribune, 1 nov 1998)

Making Thermians and other creatures and effects (Stan Winston School, 29 abr 2022)

Imágenes de actualidad (Nº 189)

Cinefantastique Magazine - Vol 31 Nº 10

The 150 Greatest Science Fiction Movies of All Time (Rolling Stone, 1 ene 2024)